Особенности профессий в сфере искусства: танцовщик, хореограф, балетмейстер

«Я смотрю на балет со стороны»

— Ваши впечатления от «Красного и черного», где Пьер Лакотт — хореограф, декоратор и художник по костюмам?

— Мне очень нравится хореография, в частности партии ведущих танцовщиков. Немножко есть ощущение, что балет длинноват: все-таки 3 часа 15 минут. Но и роман огромный, а Пьер Лакотт хотел рассказать на сцене как можно больше. Для балета он выбрал музыку Жюля Массне (подборка из более чем 100 часов. — «Известия»). Чтобы быть великим хореографом такого масштаба, как Юрий Григорович, Кеннет Макмиллан, Джон Ноймайер, Иржи Килиан или Пьер Лакотт, надо не ходить по земле, а парить в облаках, быть немножко безумцем. Создание подобного спектакля требует не только огромной энергии, но и полной отдачи всех душевных сил.

— «Красное и черное» — типичный драмбалет, который всегда любили в России. Если его показать или поставить у нас, он, по вашему мнению, будет пользоваться успехом?

Без Григоровича-1

Танцовщик Ирек Мухамедов

Фото: royalacademyofdance.org

— Несомненно. Таких балетов, как «Красное и черное», больше не делают, потому что почти нет хореографов, которые выросли на аналогичных постановках и которые способны передать драму языком танца. Думаю, что этот грандиозный спектакль можно показать в Москве или в Санкт-Петербурге, где любили ставить «Спящую красавицу» на 100 часов (в Мариинском театре этот балет шел 3 часа 55 минут. — «Известия»). Но не в Словении, где я одно время работал. Там люди в 10 часов вечера уже хотят быть дома.

— В программе «Красного и черного» вы обозначены как maître de ballet. То есть вы балетмейстер? Каков ваш вклад в постановку?

— В Парижской опере maître de ballet — это не балетмейстер, а педагог-репетитор. Я помогал ведущим танцовщикам понять хореографию, характер и роли героев «Красного и черного».

— Какими судьбами, уже имея за спиной блестящую карьеру танцовщика, а потом и хореографа, вы попали в Парижскую оперу?

— До сих пор сам задаюсь этим вопросом. Наверное, это случилось благодаря Орели (худрук балетной труппы Парижской оперы Орели Дюпон. — «Известия»). Вначале она приглашала меня репетировать «Лебединое озеро», потом — давать уроки, а с 2019 года я работаю с труппой на постоянной основе. Видимо, она позвала меня потому, что у меня несколько другой взгляд на балет — взгляд со стороны. Поэтому я могу помочь танцовщикам раскрыть свой потенциал.

— В балетном деле вы прошли огонь, воду и медные трубы. Парижская труппа вас чем-то удивила?

Без Григоровича-4

Балет «Красное и черное»

Фото: Svetlana Loboff

— Меня поразило обилие талантов. Это бросается в глаза прямо в классе, когда ребята стоят у станка. Можно только мечтать о том, чтобы готовить с ними спектакли. Я стремлюсь создать такую атмосферу, чтобы они получали удовольствие от нашей совместной работы. Но у каждого артиста — свои понятия о том, как надо. Либо он верит хореографам и педагогам, либо — верит только себе: это же ему самому выходить на сцену.

— Охоты к перемене мест у вас больше нет?

— Я был кочевником, мог бы им и оставаться. И я выжил бы. Но теперь я не молод — и рад, что нашел постоянное место. Надеюсь, что Парижская опера надолго останется моим домом. Работать с танцовщиками — моя профессия, моя жизнь.

Бенжамен Мильпье

Жена Бенжамина Мильпье – актриса Натали Портман

Бенжамин и Натали Портман познакомились на съемках фильма “Черный лебедь”. Бенджамин, с восьми лет занимающийся балетом, помогал в постановке танцев, а также играл в триллере роль партнера Натали. По его словам, он был поражен одним лишь взглядом Портман, а также ее способностью преображаться на сцене. Танцор был буквально одержим Натали: его коллеги утверждают, что он не замечал никого, кроме нее, а также расстался со своей девушкой, балериной Изабеллой Бойлстон. Теперь Натали и Бенжамин – муж и жена, у них есть ребенок и они всей семьей живут в Париже.

https://youtube.com/watch?v=3_J86AWhdH0

Лучшая реклама YSL L’Homme

Специализация, карьера и перспективы

Специализация у хореографов может быть следующей:

• бальные танцы;
• балетмейстер;
• художественная гимнастика;
• народные танцы и танцы различных национальностей;
• театральные постановки;
• фигурное катание и танцы на льду;
• современные танцы;
• цирковое искусство.

Что касается перспектив, то следует сказать, что занятость у представителей описываемой профессии может быть различной. Начинающим хореографам, без опыта работы, часто предлагают вакансии, условием которых является свободная занятость. Такие предложения не очень привлекательны в плане зарплаты.

Достаточно большое количество молодых специалистов дополнительно преподают, дают частные уроки, танцуют, чтобы получать больше денег. Но, набравшись опыта, можно рассчитывать на повышение заработной платы.

Если вы решите найти работу в крупном городе, со временем вы можете попасть на телевидение в качестве постановщика какого-то шоу. Это отличный карьерный рост: после того как ваше имя начнут узнавать, заработки станут на порядок выше.

[править] СССР

В то время, как русские эмигранты продавали свой русский талант империализму за еду и крышу над головой — в буквальном смысле, поскольку на родине они были полностью ограблены — и умирали в нищете, забытые на родине, балет в Советском Союзе не пал.

Советская власть, национализировав все объекты Российской империи, получила в свои владения и балетное искусство от императорских трупп.

Балет в Советском Союзе получил новое развитие — и в смысле хореографического искусства как такового, и в географическом понятии. Балет в какой-то степени стал для государства символом его достижений — и почему-то даже не вспоминалось про то, что это достижение досталось в наследство от Российской империи, а вернее — даже не просто в наследство, а в конфискованное наследие. Советская власть просто присвоила себе все успехи, достигнутые еще до нее.

Тем не менее она внесла и свои положительные стороны в развитие отечественного балетного искусства. Балетные школы стали насаждаться в других регионах страны. Если раньше туда приезжали императорские труппы на гастроли, теперь в разных географических точках страны организовывались музыкальные театры со своими балетными труппами.

Балет в СССР развивался и как самостоятельное искусство, появлялись новые движения, усовершенствовался танец, который все больше заимствовал сложных акробатических движений. В теоретическую разработку балета много внесла Агриппина Ваганова.

Вместе с тем еще в середине 1930-х годов произошло фактическое уничтожение целого хореографического направления — все наработки, сделанные Московской императорской балетной труппой, оказались уничтожены. Делалось это по решению самого И. В. Сталина. Будучи вообще приверженцем единоличной власти, он как хозяин страны требовал такого же единственно верного развития от всего, в том числе и развития искусств. С начала 1930-х годов артистов и хореографов московского Большого театра стали заменять на специально приглашенных в Москву артистов и хореографов Ленинграда, им и отдавали все значимые посты, на них распределялись основные балетные партии. Главным балетмейстером Большого театра с 1936 года был назначен только что прибывший из Ленинграда Р. В. Захаров. Московские артисты довольствовались незначительными ролями или вообще вынуждены были покинуть сцену Большого театра — как, например, знаменитый хореограф Игорь Александрович Моисеев. В результате целый пласт русской культуры — эстетическое направление Московской балетной школы — оказался практически уничтожен.

Сам Моисеев вспоминал об этом периоде: «Захаров отнесся ко мне крайне неприязненного, видя во мне конкурента, и применял любые методы, чтобы выжить меня из театра. Начал он с ударов по моей жене, балерине Подгорецкой, которая, после приезда Семёновой, стала второй балериной Большого театра. Захаров отстранил её от всех спектаклей, глумился на репетициях. Я при всех назвал его подлецом, и это дало ему основание преследовать меня открыто. Меня предупредили, чтобы я даже не надеялся что-то поставить. Но только актёрское поприще меня больше не устраивало».

В результате Игорю Моисееву пришлось уволиться из Большого театра, и он вместе со своей гражданской женой Ниной Подгорецкой основал свой знаменитый Ансамбль народного танца СССР, открывшийся в 1937 году, где использовал наработки, создаваемые в течение нескольких десятилетий Московской труппой. Но, конечно, работы только одного специфического ансамбля слишком мало для сохранения всех созданных и накопленных знаний Московской хореографической школы.

Ленинградское хореографическое училище в эвакуации во время Великой Отечественной войны. Пермь

Тем не менее Петербургский/Ленинградский балет развивался и даже чувствовал себя на особом положении как особо почитаемая и приносящая доход из советских индустрий. Балет стал и государственной гордостью, и прибылью, и сугубо национальным «десертом» для потчевания особо именитых гостей. Когда в начале Второй мировой войны в Москве проходило совещание трех делегаций по вопросу поставки вооружения СССР, 5 октября 1941 г. Сталин пригласил на балет «Лебединое озеро» в филиал ГАБТа А. Гарримана и лорда В. Бивербрука; главные партии исполняли Галина Уланова и Константин Сергеев.

Однако власть покровительствовала только академическому балету, все отступления в модернистские постановки нещадно карались.

Места работы

В настоящее время существует масса совершенно разных мест работы для хореографа: начиная от районного дома культуры и заканчивая постановкой танцев труппе известного певца или в каком-то модном телешоу. Существует масса школ современного, классического, латиноамериканского танца, также эта специальность востребована в фитнес-клубах, на частных занятиях — это постановка танца в детско-юношеских учреждениях, организация и постановка танца жениха и невесты, постановка выступления в вузовском КВН, дебюте и т. д. Развлекательные клубы, имеющие танцевальные шоу, тоже нуждаются в представителях рассматриваемой профессии.

Если же говорить о профессиональном уровне, то хореографы могут работать в уже упомянутых подтанцовках певцов, различных шоу, профессиональных танцевальных коллективах, постановках для спортсменов (фигурное катание, художественная гимнастика), в театре оперы и балета (должность балетмейстера).

Также талантливые хореографы постоянно востребованы при съёмках видеоклипов, на киносъёмках, а также при работе в цирке.

Обучение на хореографа

Сегодня получить специальность хореографа могут и те люди, которые решили посвятить жизнь танцу в возрасте 15-20 лет. Но такие постановщики в дальнейшем редко работают с профессионалами, они могут найти хорошую работу в фитнес-центрах, детских учреждениях, школах современного танца, будут принимать участие в любительских конкурсах.

Курсы хореографов

Национальная школа современной хореографии

Обучение в этой школе длится всего 9 месяцев, программа, разработанная опытными танцовщиками и хореографами, состоит и из теоретических, и из практических знаний. Студентам, прошедшим курс, будут выданы дипломы или свидетельства государственного образца, представители школы могут оказать содействие в трудоустройстве.

Московский Дом самодеятельного творчества, хореографические курсы «Спутник»

На курсы приглашают профессиональных хореографов и танцовщиков, которые хотят повысить свою квалификацию и получить документ о среднем специализированном образовании. В течение 2 лет танцовщики и постановщики оттачивают свое мастерство, узнают больше о разных видах танца и получают другие полезные знания. Занятия, длительность каждого из которых составляет 6 часов, проводятся 3 раза в неделю, форма обучения — очная.

Вузы

Российский государственный университет имени А.Н. Косыгина (Технологии. Дизайн. Искусство)

Хореографическое искусство (Институт славянской культуры РГУ им. А.Н. Косыгина (Технологии. Дизайн. Искусство))

Российский университет театрального искусства – ГИТИС

Хореографическое искусство (Балетмейстерский факультет)

Московская государственная академия хореографии

Хореографическое искусство (Московская государственная академия хореографии)

Московский государственный институт культуры

Хореографическое искусство (Рязанский заочный институт (Филиал) Московского государственного университета культуры и искусств)

Владимирский государственный университет имени Александра Григорьевича и Николая Григорьевича Столетовых

Хореографическое искусство, профиль Искусство балетмейстера-репетитора (Институт физической культуры и спорта)

Хореографические училища

Хореографическое Училище Академии Натальи Нестеровой

Ленинградский областной колледж культуры и искусства

Академия русского балета имени А. Я. Вагановой

Московская государственная академия хореографии

Московское государственное хореографическое училище имени Л.М. Лавровского

Профессиональный хореограф — это тот человек, который начал заниматься танцами в возрасте 5-8 лет. В возрасте 11-12 лет танцовщики поступают в училища или колледжи, после окончания которых они подают документы на балетмейстерский факультет (направление «Хореографическое искусство»)

Во время поступления очень важно отлично сдать творческий экзамен, продемонстрировать пластичность, музыкальный слух, а вот про стеснительность и скованность лучше забыть

Какими чертами должен обладать хореограф

Интересно, что всем хореографам присуща грация, при этом совершенно не имеет значения, каков их возраст. Эти люди с молодости заряжены бодростью, имеют великолепную физическую подготовку и хорошее здоровье. Действительно, представить себе, как согбенный или страдающий ревматизмом хореограф показывает ученикам сложные телодвижения, довольно сложно.Среди черт характера хореографа должны преобладать:

• выдержка и терпение. Ему часто придется объяснять, в прямом смысле этого слова, на пальцах, свои задумки непонятливым ученикам, по этой причине хореографу необходимо быть максимально корректным и хладнокровным, чтобы не срывать свое раздражение на людях и не портить отношений с членами коллектива;
• темперамент. Это качество вроде бы не согласуется с предыдущими, однако хореограф, начисто лишенный эмоций, не сможет глубоко чувствовать музыку и танец, что отразится на его работе негативным образом;
• любознательность. Необходимо хореографу для того, чтобы регулярно знакомиться с новинками и не отставать от своих коллег;
• коммуникативные способность. Хореограф — это прежде всего учитель, поэтому ему совершенно необходимо понимать людей любого возраста, чтобы вливать в них свои знания и свое мастерство;
• чувство ритма. Если хореографу, как говорится, на ухо наступил слон, ему не удастся ни двигаться самому, ни учить этому других.

Досконально изучить профессию и на деле узнать, хореограф кто это можно, пройдя обучение в высшем либо среднем специальном учреждении. Под руководством опытных преподавателей будущие хореографы постигнут эту сложную науку в совершенстве.

Стоит отметить, что стать хореографами смогут лишь те люди, в чьи планы не входит сидячий образ жизни. Хореографы часто путешествуют по свету вместе с родным коллективом, знакомятся со множеством новых личностей, постоянно развиваются. Так что необходимо присутствие жажды ярких впечатлений и легкого налета авантюризма.

При удачном стечении обстоятельств хореограф может открыть собственную школу — балетную или танцевальную — где будет подготавливать учеников.

Возможно вам будет интересна статья: Балерина это кто. Профессия посвященная танцу!

Владимир Васильев

Перечислять награды и заслуги Владимира Викторовича Васильева можно бесконечно долго: он и танцор, и балетмейстер, и театральный режиссёр, а также актёр, художник, педагог… На протяжении 30 лет этот талантливый мужчина солировал в балетной труппе Большого театра, исполнив за это время практически все существующие ведущие партии.

В 70-х годах Васильев стал хореографом, с 1995 года — художественным руководителем балетной труппы и директором Большого театра.

В личной жизни Владимир был стабилен, как и в карьере, — его супругой стала бессменная партнерша — балерина Екатерина Сергеевна Максимова.

Семья, учеба и первые постановки Д. Баланчина

Джордж Баланчин родился 23 января (10 января по ст.ст.) 1904 года в Санкт-Петербурге. Будущий хореограф и балетмейстер  появился в семье музыкантов:  его отец — Мелитон Антонович Баланчивадзе (1862/63-1937) был грузинским композитором,  народным артистом Грузии (1933). Одним из основоположников грузинской профессиональной музыки. Опера «Тамара Коварная» (1897; 3-я редакция под названием «Дареджан Коварная», 1936), первые грузинские романсы и др. Брат: Андрей Мелитонович Баланчивадзе (1906-1992) — композитор, народный артист СССР (1968), Герой Социалистического Труда (1986).

В 1914-1921 годах Джордж Баланчин обучался в Петроградском театральном училище, в 1920-1923 также в Консерватории. Уже в училище ставил танцевальные номера и сочинял музыку. По окончании его приняли в кордебалет петроградского Театра оперы и балета. В 1922-1924 ставил танцы для артистов, объединившихся в экспериментальный коллектив «Молодой Балет» («Valse Triste», музыка Яна Сибелиуса, «Ориенталия» Цезаря Антоновича Кюи, танцы в сценической интерпретации поэмы Александра Александровича Блока «Двенадцать» с участием студентов Института Живого Слова). В 1923 году поставил танцы в опере «Золотой петушок» Николая Андреевича Римского-Корсакова в Малом оперном театре и в пьесах «Эуген Несчастный» Эрнста Толлера и «Цезарь и Клеопатра» Бернарда Шоу.

В труппе С. П. Дягилева

В 1924 году Д. Баланчин гастролировал в Германии в составе группы артистов, которые в том же году были приняты в труппу «Русский Балет Сергея Павловича Дягилева». Здесь Баланчин сочинил в 1925-1929 годах десять балетов и танцы во многих операх театра Монте-Карло. Среди работ этого периода — спектакли разных жанров: грубоватый фарс «Барабау» (музыка В. Риети, 1925), спектакль, стилизованный под английскую пантомиму «Триумф Нептуна» , конструктивный балет «Кошка» французского композитора Анри Соге (1927) и др.

В поставленном им балете «Блудный сын» Сергея Сергеевича Прокофьева (1929) ощущалось влияние Всеволода Эмильевича Мейерхольда, балетмейстера и режиссера Н. М. Фореггера, Касьяна Ярославовича Голейзовского. Впервые черты будущего «стиля Баланчина» выявились в балете «Аполлон Мусагет», в котором хореограф обратился к академическому классическому танцу, обновляя и обогащая его для адекватного раскрытия неоклассицистской партитуры Игоря Федоровича Стравинского.

Сергей Полунин

Когда Сергей жил в Лондоне, он встречался с балериной из Королевского балета Хелен Кроуфорд, однако пришло время уезжать в Россию, и он принял решение расстаться с девушкой. Сам танцор рассказывает, что его привлекают исключительно балерины: «Привыкаешь к балетному стандарту. И все остальные женщины кажутся странными — мышц тут и там не хватает».

Сейчас Полунин живет в маленькой квартирке в центре Москвы, рядом с театром, один или нет — неизвестно. О своей личной жизни он рассказывать не любит, и тем не менее не скрывает, что с этим дела обстоят не очень-то хорошо. В интервью Микки Рурку для журнала Interview Сергей не без иронии отметил: «У меня репутация не очень, поэтому с девушками сложно».

Если у вас не побежали мурашки от этого танца, то вам срочно нужна арт-терапия.

Зожник следит за творчеством Сергея Полунина и с радостью отметим, что он сильно вырос в профессиональном плане за последние три года.

Главные постановки 70-80-х годов

Именно в эти годы Иржи Килиан получил международное признание.

Знаковые балеты этого периода:

«Свадебка»; «Просветленная ночь»; «Торс»; «Ритуальный шаг»; «Симфония в ре»; «Затонувший собор»; «Симфониетта»; «Возвращение в чужую страну»; «Дитя и волшебство»; «История солдата».

Балеты поставлены на музыку таких композиторов, как А. Шёнбер, И. Стравинский, Л. Яначек, Т. Такемиц, К. Дебюсси, Й. Гайдн, К. Чавес, М. Равель. В постановке «Свадебка» хореограф демонстрирует поразительное проникновение в сознание и ритуалы славян. Здесь смешаны православное христианство и язычество. «История солдата» — это смесь классического балета, современных танцев, пантомимы и танго. Сюжет повествует о человеке, который заключил сделку с дьяволом. «Дитя и волшебство»- это история французской писательницы Г.С. Колетт о мальчике, который был очень плохим и непослушным. Однажды ночью все игрушки, которые он сломал, все лягушки и бабочки, которых он мучил, собрались вместе, чтобы отомстить этому ужасному ребёнку.

Особенности профессий в сфере танцев

Далеко не все профессии в хореографии творческие. В целом, сфера искусства нуждается не только в полете фантазии тех, кто в ней трудится. В первую очередь это каторжный труд и строгое подчинение правилам.

Вот что необходимо учесть перед тем, как окончательно определиться с выбором.

Нужны врожденные данные

Иными словами, профпригодность. Сюда относятся рост, вес, положение костей скелета, мышечная сила.

Что-то из необходимого в профессии можно развить. Например, растяжку. Но не получится сделать голову меньше, а шею длиннее, и совсем не удастся изменить расстояние между позвонками, а также положение головки бедра относительно вертлужной впадины. 

Тяжелый физический труд

В этом смысле хореография ничем не отличается от спорта. Чтобы выйти на сцену и покорить зрителя танцевальными навыками, артисту приходится ежедневно выполнять экзерсис у станка, терпеть боль в различных частях тела и не жаловаться на нее, оттачивать мастерство исполнения трюков под руководством строгого репетитора, по миллиону раз повторять один и тот же элемент танца до тех пор, пока постановщик не будет удовлетворен качеством.

Высокая вероятность травм

Постоянная нагрузка на мышцы и суставы сказывается на состоянии здоровья. По этой причине в балет изначально берут только очень здоровых и крепких детей.

В других сферах хореографии требования не такие строгие, но слабое здоровье может стать серьезной помехой.

Некоторые проявляют в своих стремлениях настойчивость, идут на крайние меры, скрывая наличие заболеваний и нарушений в организме. Конечно, это в большинстве случаев заканчивается очень плачевно. Нужно тысячу раз подумать, прежде чем пожертвовать свое здоровье Терпсихоре (музе танцев в древнегреческой мифологии).

Рутинный труд

Удивлены? Рутины в танцах больше, чем в бухгалтерии! Каждый день артист балета или ансамбля выполняет набор одних и тех же упражнений, слушает замечания от репетитора и постановщика, танцует одну постановку долгие годы. 

Чтобы выпустить на сцену танец, его долго и нудно отрабатывают. Это жутко утомляет не только морально, но и физически. Сцена — это не танцпол. Здесь нужно танцевать правильно, а не как хочется.

Успеха достигают единицы

У каждого, кто получает образование в сфере хореографии, сохраняется высокая вероятность всю жизнь протанцевать в последней линии кордебалета. Парадокс, но даже талант не все решает. На судьбу танцовщика влияет множество факторов, среди которых — такая изменчивая удача. 

Многое решает характер

В этой сфере очень важны стальные нервы и настойчивость. Иначе, будучи хоть трижды талантливым, невозможно задержаться в профессии. 

Преподаватели и репетиторы не всегда обходительны с учениками и исполнителями. Если сильно задевают замечания, упреки, указания на несовершенства, в том числе вашего тела, в этой профессии делать нечего.

Это происходит не потому, что все хореографы сплошь хамы и других туда не берут. Просто иначе добиться результата от заведомо ленивого человеческого тела не получается. Если педагог по танцам только и делает, что хвалит и гладит по голове, скорее всего, ему на вас наплевать.

Михаил Барышников

Гордость русского балета — великолепный танцор Михаил Барышников! Учился в Рижском хореографическом училище, затем в знаменитом Ленинградском хореографическом училище. Несколько лет был ведущим солистом в Ленинградском театре оперы и балета имени Кирова.

Как и Нуриев, артист вовремя осознал, что его карьера сможет набрать намного большие обороты за пределами Родины: покинув Советский Союз в 70-х, мужчина переехал в Штаты, где возглавил сначала New York City Ballet, а затем American Ballet Theatre.

Помимо очевидных балетных заслуг, Михаил имел и иную популярность, он был ярким персонажем светской хроники.

Михаил Барышников и Лайза Миннелли, «Студия 54»

Барышников снимался для журналов, встречался с голливудскими актрисами, пробовал себя в кино. Словом, был «попсой», но не мелкой и поверхностной, а наполненной и правильной. В зрелом возрасте артист также всерьез увлекся фотографией.

Шарль Луи Дидло и «Первая русская школа»

Танцевальное искусство изучалось множеством деятелей разных времен. Так, в 1688 г. аббат Мишель де Пюр произвел анализ структуры балета и выделил в самостоятельную единицу танцевальную фигуру, что он отразил в своем труде «Мнения о старинных и новых зрелищах». Позднее попытки изучения структуры и формы народных танцев предпринимали и другие исследователи, в частности Джон Плейфорд, Рауль Фойе. Все их работы исполнили существенную роль в создании обобщенных и систематизированных знаний о танцевальном искусстве, которые были собраны и отражены в книге Ж. Ж. Новерра «Письма о танце». Именно она в дальнейшем стала настольной для множества хореографов, а высказанные в ней идеи нашли свое продолжение в работе Ш. Л. Дидло и других ведущих хореографов.

Именно Ш. Л. Дидло, родившийся в семье французских танцовщиков, являющихся частью шведского Королевского оперного театра, стал тем человеком, который подарил русскому балету мировую известность в начале XIX века. Этот балетмейстер-француз создал базу для формирования своеобразного стиля русского балета. Он стал главой Петербургской балетной труппы Российских императорских театров в 1801 г., а его дебютным спектаклем стал «Аполлон и Дафна», который он готовил на протяжении полугода.

Дидло снискал репутацию гениального хореографа. Он широко использовал выразительность и эмоциональную насыщенность женского танца, а воспитанные им танцовщицы превозносились на уровне крупнейших западных прославленных танцоров-мужчин. Хореограф требовал от танцоров артистизма и строгой логики действий. Он резко критиковал виртуозность ради нее самой, ведь был уверен, что зритель может понять суть балета и оценить всю глубину страсти за счет передачи эмоций лицом артистов. Поэтому он всегда стремился создавать такие постановки, в которых танцы передавали чувства и характеры действующих лиц, а выразительные движения и яркая мимика замещали словесное выражение мыслей, что в комплексе дарило цельность эстетического впечатления. Это и легло в основу создания русской школы балета.

Дидло заменил ранее принятые парики, шиньоны, кафтаны, тяжелые башмаки легкими и удобными трико и газовыми туниками

Это позволило танцорам совершенствовать собственное мастерство, что было крайне важно для Дидло. Отличительными чертами его постановок стали:

• полеты;
• пантомимная игра;
• выразительность, техничность исполнения;
• равное значение женских и мужских ролей в танце;
• использование последних инженерных разработок при оборудовании сцены.

Поскольку танца на пальцах еще не было, Дидло много внимания уделял воспитанию апломба, т. е. длительной выдержки неподвижной позы на полупальцах на одной ноге. В то же время на постановки Дидло сильное влияние оказала русская народная пляска. Поэтому за 30 лет работы этого балетмейстера в России создался именно тот вид танца, который был назван первой русской школой классического танца. Ее постановки отличались легкостью, законченностью мысли. Они были полны эмоций и благородства, а также наполнены пластикой русской женщины.

Обучение в школе продолжалось 8—9 лет. Преподаватели подолгу тренировали воспитанников на менуэте, поскольку он позволяет выработать королевскую осанку, красивый поклон, грацию при протягивании руки и пр. Также в тот период танцевали и экосез, французскую кадриль, фанданго, вальс, гросфатер, котильон, мазурку, аллеманду, венгерку и др.

При Дидло были созданы новые виды вращательных движений, появились первые элементы парного танца, которые в будущем трансформируются в адажио. В то же время женский танец не просто обогащался за счет мужского, но и сумел вытеснить его на 2-й план. Это стало возможным за счет новой стилистики, построенной по мотивам античной живописи и ваяния. А в 1808 г. Дидло ввел в балет положение на пальцах. Именно это имело колоссальное значение для развития женского русского балета и дало возможность женщине получить лидирующее положение в балете.

Таким образом, Дидло произвел настоящий переворот в мире хореографии. Именно благодаря ему из репертуара русского балета удалось вытеснить иностранные труппы, столь часто приглашаемые ранее дирекциями театров. При этом балетмейстер не любил ставить чужие балеты и всегда отдавал предпочтение собственным постановкам. Он ежегодно придумывал 2 или даже 3 балета. В них всегда наблюдалась абсолютная гармония между пантомимой, пластикой движений, мимикой, что весьма ценилось зрителями. И уже к концу 1830-х гг. русский балет вошел в эпоху романтизма.